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Le produit phare de VEGAS Creative Software, VEGAS Pro, arrive dans la v20 avec une multitude de fonctionnalités pour renforcer les flux de travail de collaboration ainsi qu’un flux de travail d’étalonnage des couleurs amélioré.

Si vous ne pouvez pas travailler à distance, vous ne pouvez pas travailler dans toute une série d’entreprises après la pandémie, et il n’est donc pas surprenant de voir les fournisseurs renforcer leurs outils pour faciliter la collaboration à distance.

Certains d’entre eux sont simples mais puissants, comme la nouvelle fonctionnalité File Drop de VEGAS Pro 20. Elle permet essentiellement aux créateurs de télécharger des fichiers directement dans VEGAS Hub à partir de n’importe quel appareil mobile ou système de bureau connecté partout dans le monde. Un éditeur invite simplement un collaborateur – un autre éditeur, un directeur de la photographie ou toute personne ayant des médias à partager sur un projet – à télécharger des fichiers dans le Hub. Et à partir de là, l’éditeur les importe directement dans un projet via la fenêtre VEGAS Hub Explorer. Facile.

VEGAS Pro 20 ajoute également des collections de projets automatiques qui rassemblent tous les actifs d’un projet pour une organisation instantanée. Les créateurs de contenu peuvent accéder rapidement et facilement à tous les fichiers multimédias de n’importe lequel de leurs projets, et ont également la possibilité d’archiver instantanément leurs projets.

De nouvelles fonctionnalités ont également été ajoutées au panneau d’étalonnage des couleurs. Les courbes de couleur de réglage de la teinte permettent d’isoler facilement une couleur spécifique dans une vidéo et de la changer en une couleur complètement différente, tandis que les commandes de température et de teinte facilitent l’obtention de la balance des blancs parfaite.

L’audio a également été peaufiné avec une prise en charge supplémentaire de l’interface logicielle de plug-in audio standard VST3 qui intègre des unités d’effets logiciels dans les stations de travail audio numériques. VST utilise le traitement du signal numérique pour simuler le matériel de studio d’enregistrement traditionnel dans le logiciel. Cette nouvelle fonctionnalité sera en version bêta au lancement et disponible pour les utilisateurs à des fins de test.

Il existe également un abonnement Starter gratuit pour Effets visuels d’actionde la bibliothèque d’éléments VFX haute résolution et à fréquence d’images élevée, ainsi qu’une version incluse et mise à jour de la plate-forme de diffusion en direct VEGAS Stream.

Le prix commence à 12,99 $ par mois (ou 249 $ pour une licence perpétuelle) et monte jusqu’à 29,99 £ (599 $ perpétuel) pour la version tout-sining all-dancing avec 100 Go de stockage en nuage.

Plus d’informations et la liste complète des nouvelles fonctionnalités de VEGAS Pro 20 sur www.vegascreativesoftware.com.

Sigma vient de sortir deux nouveaux objectifs, le 20 mm F1.4 DG DN ART et le 24 mm F1.4 DG DN ART. Et nous pourrions parler de leurs fonctionnalités, ou nous pourrions parler de la façon dont ils présentent ce qu’ils peuvent faire avec un article de blog sur l’astrophotographie. Aujourd’hui, l’astrophotographie l’emporte.

Ah d’accord, un peu sur les lentilles.

La 20MM F1.4 DG DN | Art est présenté comme le premier objectif sans miroir plein format 20 mm F1.4 au monde. Comme sa sœur, la 24mm F1.4 DG DN ART, il est disponible dans les versions Sony E-Mount et Leica L-Mount. La conception optique se compose de 17 éléments disposés en 15 groupes, qui comprennent deux éléments SLD, trois éléments asphériques et ce que la société dit être le plus grand élément avant en verre asphérique double face de son histoire. Il a été conçu pour supprimer les aberrations telles que le coma sagittal ou la distorsion de l’image afin de produire des images très détaillées avec une netteté et une précision exceptionnelles du centre jusqu’aux coins les plus éloignés.

C’est exactement ce qu’il a fait ici. Comme le dit Jack Fusco dans son blog sur le site Sigma à propos de la sortie du nouveau 20 mm pour un essai routier d’astrophotographie, « Avec chaque image, je prends un moment pour examiner et répondre à la question que chaque astrophotographe se posera. À quoi ressemblent les étoiles dans les coins ? »

La réponse, dit-il dans sa légende de la photo de titre ci-dessus, est positive. « [This is] un de mes premiers clichés avec le SIGMA 20mm F1.4 DG DN | L’art, près de chez vous, à Assateague State Park, au large de la côte du Maryland. D’un coin à l’autre, les étoiles sont tranchantes comme un clou.

Il y a quelques autres petites choses à propos de l’objectif qu’il aime pour le travail astro : un dispositif de retenue près de l’élément avant pour aider à maintenir en toute sécurité un chauffe-objectif ; et un interrupteur sur le côté inférieur de l’objectif qui désactivera la bague de mise au point pendant la mise au point manuelle. « Cela signifie qu’une fois que vous avez réglé manuellement votre mise au point sur l’infini au début de la nuit, il vous suffit d’appuyer sur le commutateur de verrouillage de la mise au point manuelle (MFL) et vous êtes prêt. »

Bon, revenons aux fonctionnalités. Les deux objectifs ont une bague d’ouverture dé-cliquable et un AF silencieux rapide pour le travail vidéo. Ils sont légers (le 20 mm pèse 635 g, le 24 mm pèse 520 g), ont une structure résistante à la poussière et aux éclaboussures et un revêtement hydrofuge et oléofuge.

Le prix est de 716,66 £ (hors TVA) pour le 20 mm, 649,99 £ hors TVA pour le 24 mm. Ciel clair et lieux fabuleux non inclus.

Photo : Jack Fusco, prise dans le parc national de Joshua Tree

Quels sont les 10 meilleurs moments audio de l’histoire du cinéma ? Kevin Hilton présente sa liste de candidats.

1 – Terminator 2 : Le Jugement dernier (1991)

Scène d’ouverture/Le rêve d’apocalypse de Sarah | Ingénieur du son : Gary Rydstrom

Un des principaux films de démonstration audio surround de son époque, la conception sonore de ce film reste impressionnante aujourd’hui. Dans la séquence post-crédits, le warcraft des Machines survole l’image sonore, zappant, menant au pied d’un Terminator écrasant un crâne humain avec un bruit graphique dérangeant. Un autre coup notable est lorsque Sarah Connor (Linda Hamilton) imagine l’explosion nucléaire à venir; sa voix ralentie et le tremblement d’une clôture désorientent le public avant que l’explosion ne se précipite dans l’auditorium, dévastant tout.

2 – Gravité (2013)

Scène d’ouverture | Ingénieur du son : Glenn Freemantle

Pas le premier film Dolby Atmos (c’était en 2012 Braver) mais celui qui illustrait ce qui pouvait être fait avec le nouveau format immersif d’alors. Chaque son ressenti dans le vide par le Dr Ryan Stone de Sandra Bullock provient soit de vibrations, soit de voix dans son casque. Travaillant avec une combinaison spatiale de la NASA, des hydrophones et une guitare immergée dans l’eau, Freemantle a créé des bruits étouffés qui, combinés à la musique de Steven Price, sont aussi puissants que le crash ou l’explosion le plus fort.

3 – Le Fugitif (1993)

Accident de train | Superviseurs monteurs son : John Leveque, Bruce Stambler

Il existe de nombreuses utilisations créatives et souvent subtiles du son surround tout au long de ce film, mais il est surtout connu pour une séquence spectaculaire et directe qui donne à tous les canaux audio un véritable entraînement. Alors que le Dr Richard Kimble (Harrison Ford) est emmené dans le couloir de la mort, d’autres prisonniers prennent le contrôle du bus dans lequel ils se trouvent tous. Le véhicule se précipite dans la barrière de sécurité avec un grincement qui vous fait grincer des dents, puis roule en cahotant sur une colline. . Le silence momentané est interrompu par un klaxon de train lointain, puis complètement brisé par des freins hurlants avant que la locomotive ne heurte le bus. Alors que Kimble tente de fuir le train qui a déraillé, le son du métal déchiré et des débris volants rugit de divers haut-parleurs, aboutissant à une énorme explosion.

4 – Il faut sauver le soldat Ryan (1998)

Plage d’Omaha | Concepteur sonore/mélangeur de réenregistrement : Gary Rydstrom

Rydstrom a déclaré qu’il avait changé la perspective de sa conception sonore après avoir parlé aux vétérans d’Omaha Beach. Bien que des armes authentiques aient été spécialement enregistrées, les coups de feu sont moins importants que l’impact des balles et ce que Rydstrom appelle les « coups de feu ». Alors que les péniches de débarquement approchent de la plage, des explosions et des coups de feu se font entendre au loin. Lorsque les rampes tombent, c’est comme si l’enfer se déchaînait, avec des plans passant le spectateur de toutes les directions. Un autre élément est les moments de choc d’obus vécus par le personnage de Tom Hanks; semble lent et fusionne alors qu’il lutte pour atteindre la couverture.

5 – Blade Runner 2049 (2017)

Ferraille embuscade | Concepteur sonore : Ron Bartlett

L’original de Ridley Scott Coureur de lame (1982) ont créé des paysages urbains et des paysages futurs baignés de lumière et de pluie qui avaient rarement été vus dans des films de science-fiction auparavant. La forte pluie en particulier crée un sentiment de désolation et de désespoir qui n’est pas tout à fait égal dans cette suite tardive. Les ambiances sonores en général sont cependant efficaces, les scènes de rue bien mélangées véhiculant un sentiment d’activité et de désordre. Dolby Atmos se prête bien à ceux-ci, tout comme au décor lorsque la voiture volante de l’officier K (Ryan Gosling) s’écrase dans une casse. Les canaux aériens portent la descente rapide, l’impact se propageant le long des haut-parleurs latéraux.

6 – Top Gun : Maverick (2022)

Séquences volantes | Concepteurs sonores : James Mather, Al Nelson

Dans celui-ci et son ancêtre de 1986, les jets en action sont vraiment ce qui compte. Sur l’original, le monteur sonore Cece Hall a mélangé des sons de lions, de tigres et de singes pour renforcer les enregistrements de localisation des avions Tomcat F-14. Pour le nouveau film, Nelson et l’enregistreur d’effets Benny Burtt sont allés chez le fabricant de moteurs à réaction GE Aviation pour enregistrer non seulement le rugissement du F/A-18 Super Hornet – comme présenté dans le film – mais de nombreux autres avions pour construire une bibliothèque de sons à réaction . Ceux-ci ont été utilisés comme base du jet hypersonique fictif Darkstar Tom Cruise vole au début du film et se présentent également sous diverses formes mélangées dans Atmos entièrement enveloppant pour les scènes de vol pompant le sang.

7 – Le réseau social (2010)

Scène de bar/club | Ingénieur du son : Ren Klyce

La séquence pré-générique voit Mark Zuckerberg (Jesse Eisenberg) se faire larguer par sa petite amie Erica Albright (Rooney Mara) dans un bar de Boston. En entendant le premier mix, le réalisateur David Fincher a apparemment crié : « Avez-vous déjà été dans un bar universitaire de Boston ? C’est trop calme ! La version finale comporte des couches de son qui se construisent pour créer un arrière-plan authentique tout en maintenant l’intelligibilité du dialogue. Zuckerberg part alors et retourne dans sa chambre en courant, ses tongs battant de manière audible dans l’atmosphère et la musique de la rue. Fincher a également exigé que la musique de danse dans la scène des clubs, où le fondateur de Napster Sean Parker (Justin Timberlake) donne à Zuckerberg des conseils commerciaux impitoyables, devrait presque noyer leur conversation. Klyce a fortement traité les pistes techno, les amenant entre les dialogues pour produire quelque chose de réaliste mais aussi d’une vérité inconfortable.

8 – La Conversation (1974)

Séquence des titres | Ingénieur du son : Walter Murch

L’ouverture de ce film met en place toute l’intrigue, montrant l’équipe de surveillance de Harry Caul (Gene Hackman) utilisant des microphones à canon et d’autres équipements spécialisés pour enregistrer ce qu’un jeune couple dit alors qu’ils se promènent dans Union Square à San Francisco. Caul lui-même, portant un micro dissimulé, capte des parties de leur conversation lorsqu’il passe devant eux. Même si Murch a placé des micros radio et des émetteurs partout sur la place, le son était inutilisable et a dû être réenregistré trois fois. Le mélange final comporte des interférences à des fins dramatiques, masquant le véritable sens de la conversion jusqu’à ce que Caul la dévoile enfin.

9 – La Matrice (1999)

Fusillades | Concepteur sonore : Dane Davis

Très influent pour ses effets visuels, ce film a également établi la norme pour l’audio dans les films où la perception de la réalité est déformée d’une manière ou d’une autre. Il existe de nombreux exemples de cela, mais les plus évidents et les plus surprenants sont les séquences d’action, avec des milliers de balles qui volent pendant les fusillades. Pour isoler les sons des balles, Davis a enregistré une mitraillette Uzi tirée sur différents matériaux, avec un silencieux utilisé pour détecter la pénétration des obus. Il a ensuite comprimé et traité les pistes afin que les balles puissent être entendues tourner et se frayer un chemin à travers les murs. Les combats de feu entre les rebelles et les agents sont ridiculement bruyants, en particulier le bruit des cartouches vides frappant le sol. Le concepteur sonore de Christopher Nolan, Richard King, a reconnu l’influence de La matrice sur Création (2010), notamment dans la scène de l’explosion du café.

10 – Star Wars (Episode IV – Un nouvel espoir, 1977)

La poursuite du vaisseau spatial de la princesse Leia | Ingénieur du son : Ben Burtt

Ses diverses préquelles et suites peuvent le surpasser en termes de technologie moderne telle que Dolby Atmos, mais le film qui a tout déclenché a sorti tous les arrêts audio malgré les restrictions d’une forme précoce de son surround. La scène post-titres dans laquelle le vaisseau de la princesse Leia est poursuivi par la flotte de l’Empire était une révélation à l’époque, avec des engins spatiaux passant au-dessus. Cette invention et essentiellement le jeu avec un nouveau jouet se poursuit tout au long, avec beaucoup de mouvement dans les combats au sabre laser. mais fournit également une mise en scène plus sobre comme dans la séquence cantina. Le score de John Williams est également utilisé à bon escient dans les différents canaux.

Comment un film de 70 ans détaille une transition de près de 100 ans qui s’est déroulée tout sauf en douceur.

Près de 95 ans se sont écoulés depuis le film d’Al Jolson Le chanteur de jazz a été publié et a inauguré l’ère des talkies-walkies. Diversement rejeté comme un gadget et extrêmement impopulaire auprès de certains critiques, il a néanmoins coûté plus de 2,6 millions de dollars de recettes au box-office mondial, soit environ 1 million de dollars de plus que tout autre film Warner Bros. à ce jour.

Cela ne représente qu’environ 44 millions de dollars en argent d’aujourd’hui, ce qui vous montre à quel point l’industrie du cinéma a grandi depuis.

Ce n’était pas le premier, ce n’était pas le meilleur ; il utilisait une technologie basée sur disque appelée Vitaphone qui était sur le point d’être rapidement remplacée par des méthodes son sur film pour fournir un son synchronisé limité; mais c’est le premier succès commercial qui a convaincu les studios d’investir sérieusement dans la technologie audio.

Et environ 30 ans plus tard, cela nous a donné Chanter sous la pluiefacilement l’une des meilleures comédies musicales jamais réalisées par Hollywood.

Le film est du film dans un genre cinématographique et dépeint les efforts de la fiction Monumental Pictures pour faire pivoter son dernier titre, Le cavalier de duelà un talkie-walkie à la suite de Les chanteurs de jazz Succès. L’un des inconvénients évidents du système Vitaphone était qu’il pouvait se désynchroniser, et l’un des Chantons sous la pluie meilleures séquences, c’est quand il le fait lors d’une projection en avant-première de Le cavalier de duel avec les conséquences hilarantes habituelles.

En effet, il envoie toutes les histoires de cette époque. Nous avons l’acteur avec la voix grinçante, l’équipement et l’équipe qui doivent être isolés du plateau parce qu’ils font trop de bruit, les problèmes de mémorisation des dialogues plutôt que de simplement bouger les lèvres n’importe comment, et l’incapacité totale de parler dans la bonne direction pour que les mots puissent être captés par les micros faibles de l’époque.

Et il fait tout cela dans une scène glorieuse. Jetez un œil ci-dessous et pensez-y la prochaine fois que vous aurez du mal à recruter des talents sur le plateau.

Dans ce blog, nous allons plonger dans les joies de la prise de vue en 35 mm. La prise de vue sur pellicule offre une expérience complètement différente de celle du numérique et ouvre une toute nouvelle (mais très ancienne) façon de prendre des photos. Lisez la suite pour découvrir quelques-unes des raisons pour lesquelles nous tournons des films 35 mm !

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Pourquoi le 35 mm est-il meilleur que le numérique ?

Étant (expert vidéo institutionnelle), nous pouvons être légèrement biaisés par cette question… de toute façon, il y a beaucoup d’avantages pourquoi film 35mm est une meilleure option pour la prise de vue numérique. La prise de vue argentique offre une expérience complètement différente de la prise de vue numérique et vous ouvre à la merveilleuse communauté des photographes argentiques. Le film a une belle esthétique granuleuse et un aspect complètement différent du numérique et des pixels. Il offre un processus et une méthodologie de prise de vue différents, vous obligeant à ralentir et à être complètement absorbé par la prise de photos, plutôt que par de nombreux travaux de post-édition.

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Pourquoi utiliser un film 35 mm ?

Tirs limités

Pourquoi filmer en 35 mm ? Dans ce cas, moins est plus! Le nombre limité d’expositions fourni avec un film 35 mm peut jouer en votre faveur car il vous oblige à prendre des photos plus consciencieusement, à composer soigneusement vos prises de vue et à réfléchir davantage avant de prendre des photos. Alors qu’avec le numérique et la capacité de prendre des milliers de photos, il est facile d’obtenir un obturateur heureux et de simplement tirer. Cela conduit finalement à un temps de montage beaucoup plus long lorsque vous réduisez vos prises de vue. Avoir une quantité limitée d’expositions avec 35 mm (généralement entre 24 et 36 images) vous encourage à apprendre et à maîtriser vos compétences photographiques car vous n’avez qu’un nombre limité de chances d’obtenir « la » photo.

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Esthétique du cinéma

Même avec les milliers de filtres disponibles, rien ne vaut le look d’un film ! Ce magnifique aspect granuleux bat de loin un pixel dans nos esprits. Il y a tellement de choix avec le film, vous permettant d’obtenir les vibrations que vous recherchez dans le plan, plutôt que de passer beaucoup de temps dans un logiciel de montage. Vous pouvez trouver des films avec un contraste élevé, des lavages de couleurs différentes, des grains, des effets spéciaux et bien plus encore !

Emma Lloyd, Kodak Gold

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Nostalgie et histoire du cinéma

Tourner un film est nostalgique car vous utilisez un support avec une histoire si riche, l’une des joies du tournage d’un film est de faire partie de son héritage. Les photographies argentiques ont un aspect intemporel et classique qui ne peut jamais être atteint par des moyens numériques. Rien ne vaut l’expérience de tourner un rouleau de film et l’anticipation de récupérer vos photos du laboratoire. C’est merveilleux d’utiliser un processus créatif qui est resté le même tout ce temps, depuis que nos parents et nos grands-parents ont pris des photos. C’est tellement excitant de recevoir cet e-mail avec vos scans, nous imaginons la même excitation que de recevoir vos tirages par la poste des laboratoires de cinéma à l’époque !

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Équipement cool

Comme le cinéma existe depuis si longtemps, il a également connu de nombreux développements intéressants, notamment de nombreux appareils photo impressionnants. Tout le monde a un smartphone ou un appareil photo numérique de nos jours, les caméras argentiques sont les véritables déclencheurs de conversation ! Essayez de sortir un appareil photo vintage point and shoot lors d’une fête, ou faites de la photographie de rue avec le vieux SLR de votre grand-père ! L’utilisation d’appareils photo transmis de génération en génération rend l’ensemble du processus de prise de vue sentimental et spécial. C’est incroyable d’utiliser un appareil photo qui capturait également des souvenirs il y a des décennies ou peut-être un qu’un membre de la famille utilisait. Il y a tellement de morceaux de kit analogiques impressionnants, avec beaucoup d’histoire derrière eux – une autre joie de la photographie analogique.

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Perfectionner les compétences en photographie

L’une des raisons pour lesquelles j’aime la photographie argentique est qu’elle vous oblige à maîtriser la compréhension de base et les fondements de ce qui fait une bonne photographie. Il est trop facile de mettre votre appareil photo numérique en mode automatique et de simplement tirer, mais avec un appareil photo argentique manuel, vous devez en savoir plus sur l’ISO, la vitesse d’obturation et l’ouverture afin d’obtenir une bonne photo. Vous avez également des prises de vue limitées, il est donc plus important d’être patient, de composer votre photo et de clouer cette prise du premier coup.

Sarah Emma Smith approfondit ses connaissances en photographie lors d’une promenade photo avec She Hearts Film, en lisant le manuel de photographie analogique

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Pourquoi tourner un film 35 mm plutôt que d’autres formats de film ?

Polyvalence

Pourquoi filmer en 35 mm? C’est polyvalent. Si je veux me promener lentement dans un pré ou dans les bois en prenant soigneusement des photos de choses qui attirent mon attention, je peux, ou si je veux l’emmener à un événement sportif au rythme rapide, je peux le faire aussi. La majorité des appareils photo argentiques 35 mm sont également légers et compacts, ce qui les rend suffisamment petits pour voyager n’importe où avec vous et d’excellents compagnons pour toutes sortes de séances photo !

Abordable

La prise de vue 35 mm est la voie d’entrée la plus abordable dans la photographie argentique et offre le plus grand choix d’émulsions et la plupart des expositions par rouleau. Vous pouvez vous procurer un rouleau de film 35 mm pour environ cinq livres. Le 35 mm est un format très pratique, présenté dans des récipients métalliques étanches à la lumière, faciles à utiliser et moins fastidieux que de travailler avec des feuilles de film ou des bobines de format moyen.

Options de caméra

En plus d’être l’option de film la plus abordable, le film 35 mm vous ouvre également les caméras les plus abordables. Vous pouvez souvent trouver des appareils photo 35 mm dans les magasins de charité pour presque rien, ou acheter un reflex décent en ligne pour 200 £ ou moins. Le film 35 mm est le seul format où de NOUVELLES caméras sont encore disponibles, nous vendons quelques points de budget et des options de prise de vue pour ceux qui cherchent à se lancer dans le cinéma de manière simple, amusante et simple (sans se ruiner). Voir nos caméras 35 mm ici.

La collection d’appareils photo 35 mm d’Emma

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Pourquoi utiliser un appareil photo argentique 35 mm ?

Il y a beaucoup de raisons pourquoi utiliser un 35mm caméra. En raison de la nature petite et compacte du film 35 mm, les appareils photo emboîtent également le pas. Vous pouvez obtenir de nombreux petits appareils photo 35 mm de type point and shoot qui sont légers et faciles à transporter avec vous. Certains sont même assez petits pour tenir dans votre poche ! Cela en fait un excellent choix pour les débutants qui souhaitent se lancer dans la photographie argentique.

Vous pouvez trouver une telle variété de choix avec des appareils photo 35 mm, des appareils photo compacts aux reflex, en passant par les appareils photo à sténopé et même certains appareils sous-marins originaux et colorés des années 80 ! Les appareils photo 35 mm ont une variété de différences entre eux, certains peuvent filmer avec des ISO jusqu’à 6400, d’autres jusqu’à 800. Certains ont un objectif amovible tandis que d’autres ont des objectifs fixes, cette gamme de choix vous donne beaucoup d’espace pour jouer avec et apprendre. sur la photographie argentique. Quelle que soit la situation de prise de vue, il y aura toujours un appareil photo 35 mm adapté à la tâche.

Un autre avantage des appareils photo 35 mm est qu’ils sont abordables. Les appareils photo 35 mm offrent l’option la plus économique pour se lancer dans la photographie argentique, tandis que les appareils photo moyen ou grand format peuvent vous coûter des centaines, voire des milliers. Vous pouvez acheter des appareils photo 35 mm à partir de 30 £, ou même un appareil photo reflex décent pour environ 100 £.

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Nous espérons que ce blog vous a aidé à comprendre pourquoi la prise de vue en 35 mm est une si bonne option ! Oui, nous pouvons être légèrement biaisés quant à pourquoi le film 35 mm est meilleur que le numérique mais il y a vraiment tellement d’avantages à filmer. La vraie preuve est dans le pudding, découvrez notre gamme de films 35 mm ci-dessous et sortez avec votre appareil photo ! Bon tir !

DJI a dévoilé son nouveau RS 3 et RS 3 Pro gimbals. Les nouveaux cardans amélioreraient les performances de la série Ronin existante et fiable. Voyons quelles sont ces nouvelles fonctionnalités.

Le Ronin 4D est connu pour sa technologie de mise au point LiDAR avancée, qui a maintenant été placée à l’intérieur des nouveaux cardans RS 3 et RS 3 Pro. Ils ont tous deux le système de transmission DJI, ce qui en fait les premières solutions vidéo à cardan sans fil à disposer de capacités de réception, de surveillance, de contrôle et d’enregistrement. La transmission DJI fonctionne jusqu’à un rayon de 3,78 miles / 6,08 km. De plus, les deux cardans disposent d’un système de verrouillage d’axe automatisé, d’un algorithme de stabilisation de troisième génération pour améliorer ses performances et d’un étalonnage en un clic.

RS3 PRO

La RS 3 Pro est désormais fabriquée à partir d’un seul morceau de fibre de carbone non coupé. Il pèse 1,5 kg / 3,3 lb et peut transporter jusqu’à 4,5 kg / 10 lb de matériel photo. De plus, à partir du modèle précédent, les bras ont maintenant été étendus pour créer plus d’espace pour travailler avec des appareils photo tels que le Sony FX6, le Canon C70 et le Komodo ROUGE.

Les deux cardans sont livrés avec un écran tactile OLED de 1,8 pouce qui peut être connecté à l’application mobile. On dit que la batterie dure jusqu’à 12 heures avec une capacité de charge rapide même pendant son utilisation. Une autre caractéristique supplémentaire précieuse est la nouvelle Détecteur de Rage LiDAR DJI. Cela peut projeter plus de 43 000 points dans une zone intérieure de 14 mètres. Le télémètre LiDAR vous permet de faire la mise au point automatique avec des objectifs manuels, de sorte qu’un étalonnage constant n’est pas nécessaire. Vous pouvez l’associer à ActiveTrack Pro avec identification et suivi des cibles.

Vous pouvez acheter le RS3 Pro maintenant, au prix de £749.00 / €874,46 TVA incluse.

Image: DJI.

RS3

Le DJI RS 3 d’entrée de gamme comprend des fonctions principales telles qu’un système de verrouillage des axes, un mode veille, la prise en charge du déclencheur Bluetooth et un écran tactile couleur OLED de 1,8 pouce. Il pèse légèrement moins à 1,3 kg / 2,8 lb et peut transporter jusqu’à 3 kg / 6,6 lb. Leur algorithme de stabilisation facilite la prise de vue à faible angle et en déplacement.

Le RS3 est également disponible dès maintenant, au prix de 469,00 £ / 547,56 €TVA incluse.

Transmission DJI

Le nouveau système de transmission de DJI reprend certaines des fonctionnalités du Ronin 4D et les apporte aux cardans Ronin. Pour une utilisation traditionnelle de la transmission vidéo, le système prend en charge un émetteur avec plusieurs récepteurs. Il existe deux modes, Contrôle et Diffusion.

Le mode de contrôle permet de surveiller simultanément deux récepteurs, tandis qu’en même temps, le cardan et la caméra peuvent être contrôlés à distance. Le mode de diffusion peut également être activé, ce qui permet un nombre illimité de récepteurs.La transmission DJI peut également fonctionner simultanément avec dix émetteurs ou plus envoyant des signaux à transmettre à dix appareils.

Semblable au Ronin 4D, le système de transmission permet un contrôle en temps réel simplement en pointant le moniteur distant, qui contient des gyroscopes pour mesurer le mouvement. Cela signifie que les utilisateurs du Ronin RS3 bénéficient des mêmes capacités de contrôle de la caméra à distance que le Ronin 4D, y compris le suivi des objets.

La transmission DJI fonctionne également avec les poignées Ronin 4D pour un contrôle total de la mise au point et de l’exposition, ainsi qu’avec la roue principale DJI et la Force Pro.

C’est tout à fait quelque chose si vous y réfléchissez, car cela signifie qu’effectivement votre appareil photo sans miroir ou votre reflex numérique peut devenir très similaire en fonctionnement au Ronin 4D. Nous vous ferons savoir comment tout cela fonctionne dans la pratique une fois que nous aurons pris l’échantillon d’examen des mains de Phil Rhodes!

Montage en L

Une annonce plus petite, mais peut-être significative, est que DJI rejoint l’alliance L-Mount. Cela commencera par le Système de monture en L Zenmuse X9 pour le RONIN 4D. De toutes les nouvelles montures d’objectif à monture peu profonde, la monture en L n’a pas tout à fait eu la même impulsion en termes de choix d’objectif que, disons, la monture RF ou Z. L’ajout de DJI au pli pourrait signifier plus de variété à l’avenir.

Replay: David Shapton trouve une analogie utile qui aide à illustrer certains concepts photographiques de base.

Amène-moi ici.

Je parlais de capteurs à ma fille, étudiante et passionnée de photographie. Elle voulait en savoir plus sur le bruit, le gain et la surexposition. Il est très facile pour les professionnels de gérer ces concepts – ils font tous partie d’un écosystème où, lorsque vous modifiez une variable, plusieurs autres changent également, mais de manière prévisible. Par exemple, vous pouvez examiner la relation inverse entre une vitesse d’obturation et l’exposition nécessaire pour obtenir une photo.

Mais comment expliquer les concepts de base de la photographie numérique ou de la vidéo à quelqu’un qui n’est pas technique. Il est vraiment important de saisir ces idées si vous voulez prendre de meilleures photos.

Alors voici ce que j’ai fait. Je prenais une tasse de thé avec ma fille dans un café. Je venais de lui offrir un nouvel appareil photo comme cadeau d’anniversaire. Je voulais qu’elle connaisse les bases – des choses auxquelles vous ne pensez pas lorsque votre expérience principale de la photographie est un smartphone.

J’ai expliqué qu’un capteur a des éléments sensibles à la lumière qui correspondent à des pixels. En effet, plus il y a de lumière qui frappe un élément de capteur, plus le nombre qu’il signalera lorsque le signal aura été numérisé sera important.

L’Analogie de La Tasse de Thé

Bien sûr, les capteurs ont des limites. C’est là que la tasse de thé entre en jeu.

Au fond de la tasse à thé, vous trouverez probablement des feuilles de thé. Considérez-les comme du bruit. Si vous n’avez pas assez de lumière, vous ne pourrez pas faire la distinction entre la lumière et le bruit. Vous verrez les feuilles de thé pousser à travers le thé.

Quand il y a beaucoup plus de lumière que de bruit, l’image est belle. Il y a un espace très utile entre les feuilles de thé et le haut de la tasse avec lequel vous pouvez faire de bonnes photos. De toute évidence, le rapport entre les feuilles de thé et la lumière est appelé « rapport signal sur bruit ».

S’il y a trop de lumière, la tasse déborde. Peu importe alors la quantité de lumière supplémentaire qui pénètre dans la tasse de thé – la seule chose qu’elle rapportera est « pleine », et c’est ce qui se produit lorsqu’une image est surexposée.

Ce n’est pas aussi sauvage que ça en a l’air. Les éléments capteurs sont un peu comme des tasses à thé: nous les remplissons de photons – des particules de lumière – ils se remplissent et débordent. Le bruit est essentiellement une expression de la chaleur. Si vous gardez un capteur au frais, il y a moins de bruit. Dans notre analogie, cela signifie moins de feuilles de thé et plus de place pour le signal provenant de l’image – plus de plage dynamique, en d’autres termes.

Ajouter un gain au signal, c’est un peu comme zoomer sur la couche de feuilles de sarcelle et le signal d’image souhaité. Cela n’ajoute aucune information, cela augmente simplement la combinaison du bruit et du signal, mais dans la même proportion.

Maintenant, bien sûr, vous pouvez séparer tout cela en une microseconde. Mais cela signifiait que ma fille comprenait maintenant ces concepts de base et était impatiente d’appliquer ces nouvelles connaissances à sa photographie.

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