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C’est le matin ici au Photography Show à Birmingham, en Angleterre (un événement absolument fantastique – énorme aussi. Bien plus grand que n’importe quelle exposition ou convention de photographie aux États-Unis). C’est mon dernier jour de présentation, et je suis assez dévasté (ce qui est regrettable car aujourd’hui est ma journée la plus chargée en termes de discours et de signatures de livres, mais n’ayez crainte, je vais me rallier et relever le défi, soutenu sans aucun doute par le délicieux burger. Je déjeune au Gourmet Burger Kitchen avec mon ami Richard).

J’ai pu filmer un match de Premiership Rugby League vendredi

Mon cher ami Claire Jones (que j’appelle « Dame Sainte-Claire ») est la photographe de l’équipe des Northampton Saints dans la ligue Premiership Rubgy, et c’est elle ci-dessus posant avec certaines de ses images. Elle m’a obtenu des informations d’identification (je ne sais pas si c’est bien le mot. Side Pitch ?) pour tourner le jeu à ses côtés. Si vous regardez « The Grid », vous m’avez entendu parler de son travail (elle est l’une des meilleures photographes de rugby de la planète), mais la voir photographier un match en personne était vraiment quelque chose à voir. Elle est une légende derrière cet objectif et un joyau absolu d’une personne également, et j’ai passé une soirée incroyable. J’ai également réussi à prendre certaines des pires photos de rugby jamais capturées.

La première mi-temps a été une catastrophe pour moi au niveau du tir, la 2ème mi-temps un peu moins, mais quand même. Reconnaître. C’est un jeu au rythme rapide – une sorte de combinaison de football américain et de hockey en un seul match. Cependant, j’adore ce jeu (je suis maintenant un fan de rugby et oui, j’ai acheté ma casquette et ma veste des Saints). Quelle atmosphère incroyable pour filmer. J’ai adoré chaque minute, même si mes clichés sont nuls. Je ferai mieux la prochaine fois (j’ai beaucoup appris). Merci, Lady St. Claire, pour une journée que je n’oublierai jamais !

Un de mes moments forts de The Photography Show

Hier, j’ai fait une séance de dédicaces à la librairie Rocky Book lors du salon (merci à tous ceux qui sont venus – la file d’attente durait littéralement une heure). Ce qui était cool, c’est le monsieur avec qui je pose ici. Nous avons critiqué ses incroyables photos d’aviation la semaine dernière sur « The Grid » lors des critiques de photos à l’aveugle, et nous étions ravis de son travail. Ensuite, j’ai pu le rencontrer en personne lors de la séance de signature du livre. C’est un gars super cool et un très bon photographe d’aviation. C’était un vrai régal pour moi.

Au-dessus de: J’ai rencontré tellement de sympathiques photographes lors de la séance de dédicace de mon livre à Rocky Nook. C’est formidable de rencontrer les gens qui lisent vos livres, c’est vraiment un régal et un grand privilège. J’ai aussi rencontré beaucoup de fans de « The Grid », ce qui était vraiment cool, aussi!

Puis j’ai rencontré ces deux hooligans

C’est l’instructeur KelbyOne David Clayton (L) et le type britannique agaçant Peter Treadway, manger ce que je ne peux qu’imaginer est une sorte de nourriture de prison (qui ressemble terriblement à un ragoût portugais). Quoi qu’il en soit, si vous les voyez au salon, évitez-les. Ils sont problématiques (et ont probablement un certain niveau de nausée à cause de ce petit-déjeuner, qui comprend du boudin noir, qui, croyez-moi, n’est pas du pudding. Son contenu appartient aux films d’horreur).

D’accord, je dois me rendre à GBK ici sous peu, puis au salon pour une journée bien remplie, qui se terminera par une courte présentation à la réception d’Adobe ce soir, puis me coucher, car je rentre chez moi très tôt. le matin, à cause de mes mauvaises recherches et logistiques de voyage.

Nous sommes tous prêts pour le « Lightroom Tip Tuesday » de demain, j’espère donc que vous reviendrez d’ici là. Bravo et passez une superbe matinée sans boudin noir !

-Scott
Nouveau fan de rugby

UNstrid est un photographe autiste queer basé en Suède. La photographie est plus qu’un simple intérêt ou une façon de passer son temps ; cela l’aide à apprécier le monde, à lui donner un sens et à le capturer d’une manière qui lui convient. Rejoignez-nous maintenant pour que nous apprenions à mieux la connaître ainsi que ses photographies.

Karen : Quand avez-vous commencé à prendre des photos ?

Astrid : J’ai commencé à photographier quand j’avais 10 ans. Mon grand-père m’a offert un appareil photo Nikon Coolpix et j’ai apprécié le pouvoir qu’on m’a donné de documenter mon environnement et ma vie. En tant qu’enfant autiste non diagnostiqué, le monde était très effrayant et déroutant et mon appareil photo m’a donné l’opportunité de montrer ce que je vois, ce qui compte pour moi et un moyen à la fois de faire face et de communiquer lorsque les mots ne suffisaient pas. En tant que personnes autistes, nous entendons souvent dire que notre façon de voir le monde est « fausse » ou que nous devons essayer de nous intégrer et d’apprendre des règles sociales neurotypiques, souvent nous imitons et c’est ce qu’on appelle le masquage. Le masquage peut être très épuisant et conduire à un sentiment de déplacement ou de dépression lorsque c’est quelque chose que je fais souvent. Pour moi la photographie m’a toujours laissé un espace qui ne me dit pas que j’ai tort ou ne me juge pas et ce sont souvent les choses qui peuvent être un frein dans le monde (hyperfocus, souci du détail et être très intéressé par un sujet) ce sont des atouts en photographie.

KC : Avez-vous étudié la photographie ?

R : Quand j’avais 18 ans, j’ai commencé à suivre un cours de photographie pour débutants. J’étais en train de passer mon examen d’autisme et j’essayais de reprendre mes études après avoir quitté l’école à 16 ans en raison de problèmes de santé mentale. L’apprentissage des réglages manuels de l’appareil photo et la redécouverte de la photographie grâce au viseur ont ravivé ce que j’avais ressenti lorsque j’avais 10 ans et que je possédais pour la première fois un appareil photo.

On m’a diagnostiqué Asperger au milieu de l’année 2018 et début 2019, connaissant le fonctionnement de mon cerveau et comment faire fonctionner mes études, je suis retourné à Cambridge et j’ai commencé à étudier un diplôme étendu de niveau 3 en art et design. Dès le début, je savais que je voulais me spécialiser en photographie en deuxième année et juste avant le projet final de la première année, j’avais l’impression d’être au point mort avec mon reflex numérique.

K : Comment a commencé votre parcours dans la photographie argentique ?

R : Un de mes professeurs de photographie m’a suggéré d’essayer de filmer sur film 35 mm. J’ai chargé un rouleau de Kentmere Pan 400 dans un reflex et j’ai filmé ce que j’ai vu.

J’ai commencé à trouver ma voix en tant que photographe en photographiant en noir et blanc en 35 mm. Je le décrirais comme un mélange de portrait, d’autoportrait, de paysage, de nature morte et d’architecture. Fondamentalement, tout dépend de la situation et je suis souvent attiré par la représentation de l’équilibre et de l’immobilité dans mes photos, montrant le monde tel que je le vis.

K : Comment votre autisme et votre homosexualité ont-ils façonné votre photographie ?

R : La photographie a toujours joué un rôle en me permettant d’explorer, d’apprendre et de m’accepter. Comme je l’ai mentionné, la photographie était très importante pour moi en tant qu’enfant autiste et continue de l’être en tant qu’adulte autiste. Dès mon plus jeune âge, j’ai aussi su que j’aimais les filles. C’était déroutant parce que je me souviens qu’on m’avait seulement enseigné les hommes homosexuels à l’école et pas de manière positive. Je ne savais pas ce qu’était être lesbienne, mais vers 13 ans, quand je l’ai appris grâce aux potins, j’ai su que je n’étais pas hétéro. Cela m’a fait peur et ce n’est que pendant la pandémie que j’ai atteint le point où j’ai su que j’étais gay et j’ai choisi de commencer à l’accepter. J’avais passé de nombreuses années à penser que c’était peut-être une phase ou quelque chose que je pouvais choisir de ne pas être, mais alors que je préparais mon projet de fin d’études, j’en avais aussi marre de la voix dans ma tête qui me disait que j’étais mauvais à chaque fois que j’aimais. une femme, la même voix qui passait des heures à essayer de me convaincre que j’aimais les hommes. J’ai commencé à sortir fin janvier 2021 et comme d’autres peuvent probablement s’en rendre compte, c’était à la fois effrayant et passionnant. C’est passionnant de dire les mots « Je suis gay » et effrayant de ne pas savoir comment les autres réagiraient. Je portais beaucoup de maquillage et de robes quand j’étais adolescente et même si je les avais aimées à un moment donné, elles sont aussi devenues un moyen pour moi d’essayer de me convaincre, ainsi que les autres, que j’étais 100% hétéro.

J’ai commencé à prendre des autoportraits pour me voir tel que je suis. C’est difficile à expliquer, mais je pense que d’autres peuvent comprendre la façon dont la sexualité et l’apparence physique peuvent sembler liées ou importantes. Finalement, les autoportraits sont devenus une série de doubles expositions en noir et blanc où je sentais que je pouvais m’exprimer en toute sécurité mais aussi me rassurer sur le fait que j’étais toujours la même Astrid, juste dehors plutôt que dans le placard. Je pense que la photographie m’a autant aidé que de me faire connaître auprès des gens et m’a aidée à me sentir en confiance en étant ouvertement et fièrement gay.

KC : Quand avez-vous commencé à créer des Zines ?

R : J’ai commencé à créer des zines fin 2021. Je pense que j’étais curieux d’en créer un depuis longtemps après avoir vu des vidéos YouTube sur les processus de création d’autres photographes. Mon premier zine était une bande dessinée sur le coming-out, il a été réalisé après que j’ai essayé de trouver un moyen de faire face si ceux à qui je sortais ne m’acceptaient pas.

Mon premier zine n’était pas un zine de photographie mais j’avais voulu créer un zine de photographie et après avoir découvert les cyanotypes et été captivé par le processus, j’ai imprimé l’intégralité de mon projet magnétique sous forme de cyanotypes et j’ai commencé à explorer le coût d’impression de celui-ci.

KC : Pourquoi fais-tu des zines ?

R : Je fais des zines parce que j’aime le fait que leur coût de production et leur qualité peuvent varier considérablement. En tant que jeune adulte et étudiant, je n’ai souvent pas beaucoup d’argent et chaque fois que j’imprimais des livres photo dans le passé, je devais emprunter de l’argent. Même si j’aime toujours les livres photo et que j’aimerais en imprimer davantage, j’aime le fait qu’avec un zine, je puisse consacrer le même effort à la conception, mais j’ai la liberté de payer pour l’impression ou d’imprimer à la maison et de les vendre à un prix qui n’est pas raisonnable. t trop élevé sans pour autant subir de perte. Je sais que certaines personnes au sein de la communauté photographique méprisent les zines, mais je ne pense pas que contrôler la manière dont les gens impriment leur travail soit une bonne chose.

K : Quels types de livres photo et de zines avez-vous réalisés ?

R : Il y a des zines imprimés maison que j’ai créés et dont je suis fier, puis des livres photo imprimés par des professionnels et « magnétiques » qui ont une qualité supérieure. Cependant, la qualité du travail et du contenu n’est pas affectée par ce que vous imprimez et comment.

K : Qu’est-ce que vous ressentez lorsque vous terminez un zine photo ?

R : Créer une publication imprimée que vous pouvez tenir dans la main est une expérience satisfaisante. C’est une récompense pour tout le travail que vous accomplissez. Une autre raison pour laquelle l’impression de zines est utile est de vous apprendre à éditer et à organiser votre travail. J’apprends souvent par la pratique et je pense que les mises en page sont quelque chose pour lequel vous acquérez à la fois une idée et une méthode lors de la conception d’un zine. Il existe également une grande communauté de zines en ligne et au sein de celle-ci une grande communauté queer, donc pour les photographes queer, les zines se sentent en sécurité et acceptants et les personnes qui s’y intéressent s’intéressent souvent aux zines des groupes marginalisés, y compris les personnes queer.

K: Votre zine ‘Magnetic’ – pouvez-vous m’en parler un peu, il dit que vous avez pris les photos avec un appareil photo numérique et que vous les avez ensuite imprimées sous forme de cyanotypes. Je trouve ça vraiment intéressant. Pouvez-vous parler un peu de ce processus s’il vous plaît

R : J’ai commencé à réaliser les autoportraits du projet avec un appareil photo numérique. Je me tenais devant la caméra montée sur un trépied devant la porte de la salle de bain. La porte de la salle de bain constituait un bon arrière-plan en raison de la surface blanche immaculée et de la lumière vive venant de derrière la caméra pendant la journée.

Je réglerais l’appareil photo en mode d’exposition multiple, puis je prendrais un autoportrait avant de devoir prendre la deuxième exposition. C’était un peu fastidieux d’aller et venir entre chaque prise de vue mais cela m’a ralenti et je pense que cela a conduit à des photos plus réfléchies que si je pouvais prendre la deuxième exposition après.

J’ai pris les photos en noir et blanc à huis clos et j’ai réalisé la plupart des prises de vue de février à début mai, lorsque je sentais que j’étais à l’aise avec moi-même et que je n’avais pas besoin de les traiter autant par l’autoportrait. J’ai quitté le projet et n’y suis revenu qu’en août ou septembre. En juillet, mon mentor est décédé subitement, elle a joué un grand rôle dans ma photographie et je lui serai éternellement reconnaissante du temps qu’elle a passé à me faire part de ses commentaires et à m’encourager à continuer à apprendre la photographie. Je mentionne cela parce que j’ai beaucoup souffert et que pendant un moment, je n’ai pas voulu prendre un appareil photo.

J’ai trouvé du papier imprimé soleil préfabriqué dans une boutique de cadeaux de musée et j’ai commencé à imprimer par contact avec des fleurs d’été dans le jardin. J’ai aimé voir la couleur changer et laver l’imprimé pour révéler un positif. C’était captivant, comme la photographie instantanée où l’image apparaît devant vous.

J’ai revisité mon projet après avoir découvert qu’il était possible d’utiliser des négatifs pour imprimer des cyanotypes. Intrigué par la perspective de l’impression analogique sans chambre noire, j’ai commandé des films transparents et imprimé des négatifs chez moi. Il m’a fallu un certain temps pour déterminer quel papier je préférais pour l’impression, puis décider de tonifier les impressions avec du café instantané pour obtenir une couleur sarcelle foncée par opposition au cyan brillant. Je voulais les imprimer sous forme de cyanotypes car je sentais qu’il leur manquait le côté brut ou granuleux que possèdent souvent les procédés analogiques. Les photos numériques étaient bonnes mais tout simplement impeccables et l’histoire que je voulais montrer ne l’était pas.

KC : Où les gens peuvent-ils acheter vos zines ?

R : Dans ma boutique Etsy.

Le marché des verres semble actuellement particulièrement fécond. Heath McKnight rassemble certaines des dernières versions dans une gamme de styles et de types.

Il existe une grande variété de lentilles disponibles, et pas seulement en fonction des supports, mais également du style et du type, c’est-à-dire cinéma, zoom, prime, grand angle, etc. Nous allons plonger dans quelques nouvelles options qui couvrent toute la gamme : Cinema primes, MFT, et même un Laowa 10mm relogé de GL Optics.

Ensemble d’objectifs cinéma plein format NiSi ATHENA PRIME

L’ensemble d’objectifs plein format cinéma ATHENA PRIME de NiSi comprend cinq objectifs rapides avec un cercle d’imagerie de 46 mm et un étui rigide :

• 14 mm à T2,4
• 25 mm à T1.9
• 35 mm à T1.9
• 50 mm à T1.9
• 85 mm à T1.9

Si vous recherchez un ensemble d’amorces cinéma de qualité et abordable, l’ensemble NiSi ATHENA PRIME est une bonne option. Vous disposez d’une bonne variété de focales, de l’ultra-large 14 mm à 85 mm, et elles sont assez rapides de T1,9 à T2,4. Vous bénéficiez également d’un bokeh fluide et de nombreuses options de montage : PL, RF, E, E (pas de filtre intégré), G et L.

À partir de 5 798 $ pour les cinq objectifs et un étui rigide, ces objectifs constituent une très bonne affaire. Dans un monde de cinéma prime à partir de 15 000 $ par objectif, les NiSi PRIME plein format sont un ensemble à considérer, et vous pouvez les acheter individuellement. Vérifier la site pour plus de détails.

GL Optics relogé, plein format Laowa 10 mm T3.1 Cinema Prime

Toujours avec les objectifs cinéma prime, GL Optics a dévoilé un cinéma prime plein format Laowa 10 mm T3.1 relogé avec une monture LPL. Il s’agit d’un objectif très grand angle et le premier à disposer d’une monture LPL, parfaite pour les prises de vue créatives.

L’objectif Laowa 10 mm T3.1 relogé par GL Optics est un peu lourd à 1,4 livre (0,64 kg) mais possède de nombreuses autres fonctionnalités intéressantes : diamètre avant de 95 mm, image Vistavision, projection à 170 degrés, et plus encore.

Son prix est de 2 999 $ ; apprendre encore plus ici.

OM SYSTEMS Téléobjectif M.Zuiko et objectifs MFT ultra larges

En parlant d’objectifs ultra-larges (et de téléobjectif), OM SYSTEMS (anciennement Olympus) a dévoilé deux nouveaux objectifs MFT (micro quatre tiers), l’ultra-large M.Zuiko Digital ED 9-18mm f/4-5.6 II et le téléobjectif M.Zuiko Digital ED 150-600mm f/5-6.3 IS.

Les zooms ultra grand-angle et téléobjectif sont destinés aux appareils photo MFT, y compris ceux dédiés au film et à la vidéo (et aux propres appareils photo d’OM SYSTEMS), mais ils sont un peu lents au début/4-5,6 et f/5-6,3, respectivement. L’objectif grand angle présente un équivalent plein format de 18 à 36 mm et le téléobjectif un équivalent de 300 à 1 200 mm. Les deux sont bien construits et le grand angle est compact, tandis que le téléobjectif est plus robuste et dispose d’une stabilisation d’image synchronisée.

Les prix sont de 699 $ pour l’objectif ultra grand angle et de 2 699 $ pour le téléobjectif. Encore une fois, gardez à l’esprit qu’il s’agit d’objectifs lents par rapport à ce dont nous avons discuté jusqu’à présent. Vérifiez Site Internet d’OM SYSTEMS pour plus de détails sur ces objectifs et sur d’autres objectifs M.Zuiko.

Objectif Samyang Cine V-AF 100 mm T/2.3 FE

Samyang a annoncé son nouvel objectif Cine V-AF T/2.3 FE, un 100 mm, qui rejoint ce que la société prétend être la première série d’objectifs Cine AF au monde. Ces objectifs, y compris le nouveau, sont plus compacts tout en reproduisant des visuels cohérents.

Les objectifs de l’ensemble V-AF Cine de Samyang comprennent un 24 mm, un 35 mm, un 45 mm et un 75 mm, qui sont tous à T/1,9. Le 100 mm est T2.3 et ne coûte que 699 $, une bonne affaire pour un prime Cine rapide. Samyang lancera également un objectif plus large, un 20 mm T/1,9, dans un mois seulement (mars 2024). Visite son site pour plus d’informations.

jeDans le monde captivant de la photographie noir et blanc, le débat entre Kodak Tri-X et Ilford HP5 Plus est éternel, rempli de nuances et de préférences personnelles. Dans cette exploration approfondie, enrichie d’avis et d’évaluations de clients réels, nous plongerons dans la discussion « Kodak Tri-X vs Ilford HP5 Plus », comparant ces deux films légendaires sous divers aspects pour vous aider à faire un choix éclairé.

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L’importance historique et les évaluations communautaires

Kodak Tri-X, un film synonyme de photographie classique en noir et blanc, capture les moments de la vie depuis 1940. Son héritage durable témoigne de son adaptabilité et de sa robustesse. De l’autre côté, l’Ilford HP5 Plus, devenu célèbre dans les années 1980, s’est taillé sa propre niche, réputée pour son grain fin et sa polyvalence remarquable.

En termes de satisfaction des utilisateurs, les notes de notre communauté en disent long, l’Ilford HP5 étant légèrement en tête avec un impressionnant 4,97 sur 5, comparé au toujours admirable 4,94 du Kodak Tri-X.

« Ilford HP5+ est mon film N&B préféré. Il donne des résultats cohérents et excellents » @jan.onfilm

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Grain et contraste : à travers l’objectif des photographes

La structure du grain, un élément crucial dans la photographie argentique en noir et blanc, est une caractéristique déterminante de ces films. Kodak Tri-X est célèbre pour son grain distinctif, qu’Oliver Franklin apprécie avec éloquence : « J’ai récemment poussé ce film à 6 400 ISO… avec très peu de grain ! Un film agréable avec lequel travailler. Cette qualité de grain ajoute de la texture et de la profondeur aux images, les rendant presque tactiles. À l’inverse, Ilford HP5 Plus offre un profil de grain plus discret. Christopher Simpson exprime : « Il prend des photos incroyablement bien dans toutes les situations d’éclairage et peut être poussé jusqu’à 1 600/3 200 sans perdre beaucoup de détails », soulignant la qualité de son grain plus fin.

Le contraste est un autre aspect crucial où ces films divergent. Tri-X est réputé pour son contraste percutant, qui donne aux images un aspect dramatique et audacieux. Cette caractéristique le rend idéal pour réaliser des portraits saisissants et des photographies de rue convaincantes. En revanche, HP5 Plus offre un contraste plus nuancé et équilibré, se prêtant bien à une plus large gamme de conditions d’éclairage et offrant une plus grande flexibilité en post-traitement.

Personnellement, c’est pourquoi je préfère Tri-X – mon instinct en tant que photographe argentique est de me tourner vers des contrastes plus élevés et des images plus spectaculaires – et j’ai toujours trouvé que Tri-X était à la hauteur !

Paul en tournage sur Kodak Tri-X, tourné avec Kodak Tri-X 😂

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Exposure Latitude : une plongée approfondie dans les expériences utilisateur

La latitude d’exposition est une considération importante pour de nombreux photographes, en particulier ceux qui photographient dans des conditions d’éclairage variables. Ilford HP5 Plus est souvent loué pour sa latitude généreuse, comme l’observe Thomas Wesley : « Il est vraiment facile de travailler avec, vous laissant une grande marge d’erreur ou d’expérimentation. » Cette qualité en fait un film indulgent pour les débutants et un choix polyvalent pour les photographes expérimentés. Le Kodak Tri-X, même s’il n’est pas aussi indulgent, est connu pour ses résultats prévisibles et cohérents, ce qui en fait un choix fiable pour ceux qui apprécient la précision. La réflexion de Stéphane sur Tri-X le souligne : « TriX ne déçoit jamais par sa qualité, son contraste et la richesse d’une image monochrome. »

« C’est la première fois que j’utilise Tri-X car je voulais essayer quelque chose de différent de mon travail habituel en noir et blanc, et j’ai vraiment aimé les résultats ! » @hollygoodenough

La latitude d’exposition affecte non seulement la facilité de prise de vue, mais également l’aspect final de la photo. HP5 Plus, avec sa capacité à gérer avec élégance la surexposition et la sous-exposition, est idéal pour capturer des scènes avec un éclairage complexe. Vous pouvez en savoir plus sur HP5 dans notre revue du film Ilford HP5.

D’un autre côté, la nature précise du Tri-X peut être exploitée pour créer des images avec une vision claire et un fort impact, en particulier dans les scènes très contrastées.

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L’art de développer : le point de vue des aficionados de la chambre noire

Le processus de développement est l’endroit où les photographes peuvent influencer davantage le caractère de leurs images. Emma, ​​passionnée de chambre noire, partage son affinité pour HP5 : « J’adore expérimenter HP5 dans différents développeurs. À chaque fois, c’est comme découvrir un nouvel aspect du film. » Cette adaptabilité dans le processus de développement permet un large éventail d’expressions artistiques. Le Kodak Tri-X offre également une grande flexibilité de développement, comme le souligne Antony Mo : « Le grain remarquable… permet d’obtenir des images distinctives. » Sa tolérance à diverses techniques de développement en fait un favori pour ceux qui aiment expérimenter en chambre noire.

« J’étais tellement enthousiaste à l’idée d’essayer ce film, en espérant du contraste et de belles ombres sombres, et cela n’a pas déçu » – Tourné avec Kodak Tri-X @LeeShootsFilm

Les deux films répondent bien aux processus de développement standards et alternatifs, permettant aux photographes de manipuler le contraste, le grain et la gamme tonale. Cette flexibilité est essentielle pour ceux qui considèrent le processus de développement comme une partie intégrante de leur flux de travail créatif, offrant un moyen d’imprimer leur style personnel sur l’image finale.

Si vous ne souhaitez pas développer chez vous, vous pouvez toujours vous adresser au laboratoire interne d'(expert vidéo institutionnelle) pour le développement de films N&B ! Faire appel à un laboratoire professionnel est rapide, facile et vous permet de consacrer plus de temps à la prise de vue !

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Traitement push : repousser les limites de la création

Le traitement push est une technique utilisée par les photographes pour adapter le film à différentes conditions d’éclairage, et Tri-X et HP5 Plus excellent à cet égard. Fabio Caponetti fait l’éloge de Tri-X : « Quelle que soit la luminosité, elle produit des résultats époustouflants. » Cette capacité à pousser le film au-delà de sa vitesse nominale fait du Tri-X un choix polyvalent pour la photographie en basse lumière et à haute vitesse. HP5 Plus est également capable de traiter en mode push, comme le souligne Jack : « Si je devais choisir un film noir et blanc fiable et esthétique, ce serait HP5. » Cette flexibilité est particulièrement bénéfique pour les photographes qui se retrouvent souvent à photographier dans des conditions d’éclairage imprévisibles.

L’impact du traitement push sur les qualités esthétiques du film est important. Pousser Tri-X peut améliorer son grain et son contraste, conférant une sensation granuleuse et brute aux images. HP5 Plus, lorsqu’il est poussé, conserve sa structure de grain plus fine et ses changements de contraste plus subtils, ce qui le rend adapté au maintien des détails et des nuances dans les zones d’ombre.

« J’ai poussé et retiré ce film en masse et il a toujours produit d’excellents résultats dans une variété d’endroits » – Joseph

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Conclusion

En conclusion, le choix entre Kodak Tri-X et Ilford HP5 Plus n’est pas seulement une question de spécifications techniques ; il s’agit de savoir comment ces films s’alignent sur votre vision créative et votre approche de la photographie. Les deux films sont célébrés pour leurs caractéristiques uniques, comme en témoignent les notes et les critiques de notre communauté. Le fait que les deux soient également disponibles dans d’autres formats : film Ilford HP5 120 et film Kodak Tri-X 120 – contribue à leur large attrait. Et qu’il s’agisse de l’aspect texturé et dramatique du Tri-X ou de la nature douce et polyvalente du HP5 Plus, chaque film offre une toile distincte pour votre narration photographique. Si vous recherchez encore plus d’options, jetez un œil à notre Top 6 des films N&B !

Alors que vous explorez le monde de la photographie argentique en noir et blanc, nous vous encourageons à expérimenter ces deux films emblématiques. Quelle a été votre expérience avec Kodak Tri-X et Ilford HP5 Plus ? Avez-vous une préférence ou trouvez-vous que chacun a sa place dans votre répertoire photographique ?

L’été est traditionnellement une période calme dans l’industrie, mais cette année, ce n’était pas le cas.

C’est ainsi que Sony fabrique des appareils photo en 2023 (et ce ne sont pas que des robots)

Nous avons débuté le mois de juillet avec un visite du fabricant d’appareils photo Sony à Pencoed au Pays de Galles. David Shapton l’a visité pour la première fois il y a dix ans, mais a profité de l’occasion pour se tenir au courant des nouveaux développements survenus dans les installations.

L’usine de Pencoed est l’une des plus avancées au monde et produit actuellement la caméra de studio 2/3″ HXC-FZ90 de Sony.

David a écrit à propos de l’automatisation : « Le centre technologique de Sony dispose de son propre département R&D chargé d’améliorer la productivité, en se concentrant sur la vision industrielle. Les caméras comportent des milliers de pièces, et choisir ces éléments et les placer sur des circuits imprimés est délicat et laborieux. Pencoed dispose donc désormais d’un système robotique avec vision industrielle pour identifier les composants individuels placés au hasard sur un plateau avec des centaines d’autres articles. Des caméras stéréo sur les bras du robot scannent les pièces, et lorsqu’il en « voit » une qu’il reconnaît, il la ramasse et la place immédiatement sur le circuit imprimé. Remarquablement, s’il n’identifie aucun composant, il envoie une instruction pour secouer le plateau – de manière appropriée avec le même appareil Playstation qui génère un retour haptique ! Finalement, le robot trouve toutes les pièces, les place sur le plateau et l’envoie à l’étape suivante.

Il est remarquable que l’usine bénéficie toujours d’une contribution humaine, une seule personne assemblant la caméra à la fin de la chaîne de production.

Le télescope spatial James Webb partage l’image de son premier anniversaire

Dans l’espace, le Le télescope spatial James Webb a terminé sa première année d’exploitation. Il est juste de dire que ce fut une année riche en nouvelles données révélatrices qui occuperont les scientifiques pendant des années. Pour célébrer, le télescope a capturé une image d’une région de l’espace située à seulement 390 années-lumière, permettant une clarté inégalée sans étoiles au premier plan dans l’espace intermédiaire.

Andy Stout a écrit : « L’image de Webb montre une région contenant environ 50 jeunes étoiles, toutes de masse similaire à celle du Soleil, ou plus petite. Les zones les plus sombres sont les plus denses, où d’épais cocons de poussière forment encore des protoétoiles. D’énormes jets bipolaires d’hydrogène moléculaire, représentés en rouge, dominent l’image, apparaissant horizontalement dans le tiers supérieur et verticalement à droite. Celles-ci se produisent lorsqu’une étoile éclate pour la première fois à travers son enveloppe natale de poussière cosmique, projetant une paire de jets opposés dans l’espace comme un nouveau-né tendant pour la première fois ses bras vers le monde. En revanche, l’étoile S1 a creusé une grotte de poussière rougeoyante dans la moitié inférieure de l’image. C’est la seule étoile de l’image qui est nettement plus massive que le Soleil.

Sony dévoile le nouveau α6700, présenté comme « l’appareil photo APS-C le plus avancé jamais conçu »

De nouvelles caméras ont continué à arriver au cours des mois d’été, notamment Le nouveau α6700 de Sony, qui présentait la reconnaissance et le suivi d’objets IA. Il dispose d’un capteur de 26 MP capable de la fréquence d’images désormais obligatoire 4K 120 ips, ainsi que de SLog3 et S-Cinetone dérivés de la gamme de caméras cinéma de la société.

Nous écrivions à l’époque : « Sony estime que la caméra fournit des données équivalentes à 6K, produisant une vidéo 4K supérieure, y compris la prise en charge de l’enregistrement à haute fréquence d’images à 4K 120 ips. Il est doté de S-Log3, offrant plus de 14 arrêts, et est également équipé de S-Cinetone, offrant une représentation impressionnante des tons de peau et une mise en valeur du sujet, technologies perfectionnées grâce au développement de Cinema Line. Le cadrage automatique piloté par l’IA suit les sujets en douceur, éliminant ainsi le besoin de mouvements manuels de la caméra.

Test Insta360 GO 3 : Le petit est-il vraiment puissant ?

L’été a vu la sortie de La caméra GO 3 d’Insta360. La série GO a été rendue populaire grâce à la taille absolument minuscule de l’appareil photo. Le GO 3 a avancé les choses en permettant à la caméra d’être placée dans un module doté d’un écran LCD de 2 pouces, qui peut également être utilisé pour faire fonctionner la caméra à distance.

Simon Wyndham a écrit à propos de la caméra : « En conclusion, l’Insta360 GO 3 est un système bien pensé et il fonctionne extrêmement bien pour les objectifs pour lesquels il a été conçu. Si vous recherchez un appareil photo pouvant être utilisé de manière spontanée, mais que vous souhaitiez peut-être quelque chose que vous puissiez utiliser pour les sports d’action de manière plus décontractée, alors le GO 3 est une bonne option à considérer.

Changer la donne : l’histoire fascinante de la diffusion de la Coupe du Monde Féminine de la FIFA

Le sport n’est pas une spécialité de RedShark, mais la diffusion du Coupe du monde féminine de la FIFA était un événement de diffusion complet, et Matt Gregory a décidé de jeter un œil dans les coulisses pour savoir comment cela s’était déroulé. Matt a vu les progrès technologiques utilisés pour diffuser le tournoi se développer parallèlement à la progression du football féminin depuis sa première Coupe du monde en 1991.

Matt a écrit : « La Coupe du Monde Féminine de la FIFA a évolué depuis des débuts plutôt modestes dans une Chine peu ouverte en 1991 jusqu’à ce qui deviendra un véritable spectacle sportif mondial en 2023. À mesure que la technologie de diffusion continue de progresser, le football féminin évolue également et de nombreux des sports. C’est un produit que les gens veulent regarder et que les sponsors veulent soutenir, et mieux ce produit peut être présenté dans les foyers des téléspectateurs et des fans du monde entier, mieux c’est pour le jeu et l’industrie de la diffusion que nous aimons.

Le moyen le moins cher de tourner des films couleur en 2023

La prise de vue analogique a fait un grand retour, sans doute en partie grâce à des YouTubers influents tels que Peter McKinnon qui font la promotion de l’utilisation de la photographie 35 mm. Le résultat est que le format a gagné en popularité, contribuant ainsi à faire grimper les coûts à tous les niveaux. Avec ça en tête, Josh Edwards a examiné les façons de prendre des photos en 35 mm sans vous ruiner, en utilisant une pellicule traditionnellement utilisée par les caméras de cinéma, Kodak Vision 3.

« Il n’y a pas si longtemps, le film touchait à sa fin. Tous les grands acteurs emballaient le monde analogique et le mettaient en retrait, comme une dernière bobine de film. Le numérique était arrivé : plus simple, plus net, illimité dans ses prises de vue et sa capacité de post-traitement. Le cinéma était mort. Et pourtant… nous y sommes. En 2023, la demande de films a augmenté à un tel point que des sociétés comme Kodak ne peuvent plus suivre. Comme l’enseigne chaque morne cours d’économie de niveau A, l’augmentation de la demande et l’offre limitée entraînent une hausse des prix. La question qui se pose désormais sur les lèvres de nombreux photographes est la suivante : comment réaliser des films couleur sans se ruiner ? »

NVIDIA dévoile une nouvelle superpuce d’IA et ajoute l’IA générative à Omniverse

Un autre mois, une autre histoire d’IA. Cette fois, c’était au tour de Nvidia, qui avait développé un nouvelle superpuce basée sur l’IA, le GH200. L’IA progresse très rapidement et NVIDIA a donc anticipé. Andy Stout a écrit : « … il y aura également une toute nouvelle version de nouvelle génération prévue l’année prochaine, qui permettra aux utilisateurs de connecter plusieurs GPU pour des performances exceptionnelles et une conception de serveur facilement évolutive. NVIDIA estime que la double configuration d’un seul serveur avec 144 cœurs Arm Neoverse, huit pétaflops de performances IA et 282 Go de mémoire HBM3e offre jusqu’à 3,5 fois plus de capacité de mémoire et 3 fois plus de bande passante que la génération actuelle.

En plus de la nouvelle puce IA, la société ajoutait également une IA générative à son système Omniverse et un nouveau système NVIDIA AI Workbench.

« L’idée est que Workbench supprime la complexité liée au démarrage d’un projet d’IA d’entreprise et permet aux développeurs d’affiner facilement les modèles à partir de référentiels populaires. Des centaines de milliers de modèles pré-entraînés sont déjà disponibles sur le marché de l’IA en pleine expansion, et les personnaliser avec les nombreux outils open source disponibles peut être pour le moins difficile et prendre beaucoup de temps.

Un nouvel objectif pour une nouvelle ère avec une sensibilité résolument rétro. Phil Rhodes donne son verdict sur la nouvelle série d’objectifs à focale fixe sans miroir Cooke SP3.

La sortie la plus récente d’objectifs de Cooke a été reçue comme une surprise de la part d’une société tellement ancrée dans l’histoire du cinéma haut de gamme qu’elle pourrait être considérée comme ayant influencé l’ensemble de la forme d’art. Pourtant, le lancement d’un objectif (relativement) abordable et au caractère délibéré sur le marché actuel ne devrait surprendre personne. C’est cette dichotomie, autant que les caractéristiques des nouveaux Cooke SP3, qui affecteront la façon dont les gens les perçoivent.

Ce que Cooke a créé est un ensemble d’objectifs très modernes, avec des focales de 25, 32, 50, 75 et 100 mm, toutes à T2.4, avec une couverture plein format dans des montures courtes. L’ensemble que nous avons vu comportait une première version préliminaire de la monture L de Cooke adaptée à la nouvelle Cinema Camera 6K de Blackmagic, avec E disponible maintenant, M suivra au début de l’année prochaine et RF suivra.

L’imitation, pas la récréation

L’ajustement et la finition sont, comme on pouvait s’y attendre, irréprochables. Les bandes d’engrenages extra-larges facilitent l’installation

Il y a une limite à laquelle ils sont de manière réaliste une réincarnation coup pour coup du Speed ​​Panchro classique. Les Speed ​​Panchros ont été fabriqués à partir de formulations de verre qui ne sont plus disponibles et ont été conçues pour couvrir des cadres beaucoup plus petits. Les verres SP3 sont destinés à récapituler le look classique avec une technologie similaire, une approche qui devient claire lorsque l’on jette un coup d’œil à l’arrière des verres. C’est moins le cas aux extrémités de la distance focale, mais il y a souvent un espace entre l’élément le plus en arrière et la monture, ce qui nous amène à nous demander s’ils pourraient être fabriqués dans une monture plus profonde telle que PL ou EF.

Les objectifs sont minuscules par rapport aux normes des objectifs de cinéma. C’est probablement pour faciliter l’utilisation sur les cardans et sur le type d’installation automobile où ce genre de chose semble le plus susceptible d’être utilisé. Ainsi, nous ne nous retrouvons pas avec un petit appareil photo moderne et performant suspendu désespérément à l’arrière d’un vaste objectif, comme cela arrive lorsque quelqu’un accroche quelque chose sans miroir à l’arrière d’un zoom anamorphique de la taille d’un continent. L’ajustement et la finition sont, comme on pouvait s’y attendre, superlatifs, sans même le moindre soupçon de jeu ou d’oscillation. Le point faible mécanique est la monture : les montures à baïonnette n’auront jamais la solidité d’une monture à verrouillage de culasse comme le (L) PL, mais c’est inévitable.

Cooke SP3 : Une question de caractère

Les conceptions Speed ​​Panchro sur lesquelles sont basés les SP3 étaient à l’origine destinées à des supports beaucoup plus profonds, ce qui pourrait expliquer pourquoi il y a autant d’espace à l’intérieur de ce support en L.

Comme nous l’avons déjà dit, les objectifs au caractère délibéré doivent être choisis avec soin. Sans vouloir faire une comparaison directe avec les SP3, de nombreux petits objectifs anciens, rapides et de caractère sont disponibles pour de l’argent de poche sur eBay, ce qui illustre les considérations. Former un ensemble assorti peut être très difficile. Les SP3 s’adaptent à merveille, même jusqu’aux fusées éclairantes, et même si nous n’en avons vu qu’un seul ensemble, il est probablement prudent de supposer que les techniques de fabrication modernes peuvent maintenir la cohérence des choses. Les SP3 sont moins chauds que ce que la plupart des gens attendent de Cookes, avec des fusées éclairantes moins visiblement ambrées, bien que ce soit plus un problème d’attentes erronées que de performances des SP3. Toutes les séries Cooke ne font pas cela, et celles-ci ne le font pas beaucoup.

Les artefacts situés dans des zones floues (et il y en a beaucoup sur un appareil photo plein format) sont une conséquence plus visible de l’implication de Cooke. Ici, les SP3 se différencient. La plupart des objectifs fixes ne sont pas aussi jolis à cet égard, et les objectifs cinéma axés sur la netteté du segment abordable du marché semblent souvent prêts à sacrifier une belle atténuation de la mise au point au profit d’images détaillées. Les SP3 ne font pas ça. La mise en garde, le cas échéant, est qu’un design délibérément rétro commence inévitablement à perdre du contraste et de la résolution vers une ouverture minimale, en particulier dans les coins d’une très grosse puce. Encore une fois, c’est difficile à comparer aux Speed ​​Panchros d’origine car ils ne sont pas conçus pour couvrir de très grands capteurs de toute façon, mais si vous voulez des coins organiques, ouvrez-les et vous les avez. Ou bien, fermez, et vous n’avez pas grand-chose.

Interpréter les revêtements par la couleur qu’ils reflètent est un art, mais l’absence de reflets verdâtres et violacés prononcés est une indication des origines historiques des SP3.

D’une certaine manière, c’est ce qui est bien avec ceux-ci. La belle atténuation de la mise au point est inhabituelle dans des objectifs de cette taille, mais c’est la possibilité de choisir une image plus ou moins organique qui rend ces objectifs utiles dans un plus large éventail de situations. Les appareils photo modernes et rapides élargissent notre possibilité de choisir une ouverture pour des raisons créatives plutôt que techniques, et cela est particulièrement précieux ici. Certains fabricants ont produit des gammes d’objectifs délibérément imparfaites simplement en supprimant les revêtements d’un modèle existant, ce qui crée parfois des images pleines d’éblouissements accablants qui manquent de caractère ou de couleur et amènent les gaffers à grogner et à chercher un chariot de drapeau. Les SP3 s’enflammeront hardiment s’ils sont poussés, mais vous devez pousser. Cette exigence crée une contrôlabilité qui en fait une option beaucoup plus plausible pour le propriétaire-exploitant qui ne voudrait peut-être dépenser qu’une seule fois 15 000 £ pour un jeu d’objectifs et, ce faisant, s’attendrait à ce qu’ils soient utiles dans un large éventail de travaux. .

Marché de masse, style Cooke

La valeur est donc une question intéressante. Les SP3 pourraient être considérés comme l’objectif de Cooke pour le grand public, mais ils ne sont toujours pas si bon marché ; ils coûtent plus de 3 000 £ par lentille, soit 4 200 $ chacun. Il est très possible d’obtenir pour cela de tout nouveaux objectifs à monture PL plein format auprès de fabricants respectés. Les Zeiss CP3 coûtent régulièrement un tiers de moins que les SP3 et peuvent vraisemblablement être filtrés pour s’adapter à plus ou moins à tout, ce qui est l’une des raisons pour lesquelles ils sont un objectif propriétaire-exploitant assez courant.

Il est également assez évident que les SP3 ne seront pas fabriqués à la main dans les célèbres œuvres de Cooke à Leicester. Ils ont confié la fabrication d’un produit susceptible de vendre beaucoup plus d’unités que ce qui pourrait vraisemblablement être mis en forme de la manière dont Cooke a travaillé pendant des décennies. L’explication ici est que Cooke ne s’appuie pas tant sur le contrôle du processus de fabrication – même s’il l’a fait naturellement – mais sur un protocole de test soigneusement conçu. Peu importe ce que l’on pense de l’endroit où les choses sont fabriquées et à quel point cela compte, c’est la bonne réponse. Les règles peuvent être enfreintes ; les résultats des tests ne mentent pas.

Les sociétés de location les achèteront parce qu’elles constituent une option pour les caméras B, C et suivantes sur les films centrés sur Cooke. Dans le même temps, les propriétaires-exploitants pourraient très bien trouver cette imperfection contrôlable utile dans n’importe quoi, depuis une interview avec un PDG pointilleux jusqu’à un clip vidéo dans lequel nous ajoutons de nombreux rétroéclairages et laissons les puces tomber là où elles peuvent. Il est clair qu’une entreprise comme Cooke ne peut pas faire ce genre de chose trop souvent, d’autant qu’elle est susceptible de gagner beaucoup d’argent grâce à cette idée, mais pour l’instant, il est vraiment difficile de ne pas aimer.

Étant donné que Peter Gabriel a enfin sorti son nouvel album i/o après une période de gestation plus étroitement associée à la géologie, nous avons pensé que c’était le bon moment pour souligner le 50e anniversaire du remaster d’une de ses performances phares avec son ancien groupe Genesis.

L’histoire complète sur la façon dont cela a été fait se trouve sur Le musée de la Genèse et constitue un aperçu fascinant de la manière dont la restauration de films a progressé au fil des ans.

Enregistrées en direct du 30 octobre au 1er novembre 1973 aux studios Shepperton au Royaume-Uni et tournées en 16 mm, les images ont été initialement achetées aux enchères en 2003. Le premier transfert SD a été payé par un petit groupe de fans sur le forum Meeksgenesis (et accessoirement utilisé par le groupe pour divers coffrets anniversaire). En 2013, il a été transféré en HD, et maintenant il obtient une dernière (dernière ?) amélioration jusqu’en 4K.

Les images et l’audio ont été renumérisés et réingérés, des milliers d’images ont été nettoyées à la main et les couleurs ont été corrigées plan par plan. Le Musée avait lui aussi du pain sur la planche.

« Chaque fois que le film est transféré, un peu plus de dégâts se produisent et la couleur s’estompe un peu plus », écrit-il. «Le film est maintenant encore plus rouge qu’avant (une nouvelle décoloration du bleu et du vert) et il y a moins de choses à améliorer. Le film 16 mm n’a pas été bien produit, mais a été utilisé davantage comme un film promotionnel, non destiné à durer 50 ans, il y a donc moins de détails qu’un film 16 mm peut normalement en avoir. Il est peu probable qu’une résolution 4K soit disponible sur ce film, en particulier dans les scènes les plus sombres. Et il y a des imperfections sur l’impression qui ne peuvent pas être supprimées.

En d’autres termes, ils avaient vraiment du pain sur la planche. « Il y avait aussi un problème où le film était réalisé avec un déséquilibre horizontal des couleurs, ce qui signifiait que le côté droit du film avait une couleur légèrement différente de celle du côté gauche du film. Bien entendu, cela ne pouvait pas être corrigé par un simple ajustement des couleurs. J’ai donc créé des filtres de couleur gradués pour réduire cet effet, même s’il ne pouvait pas être complètement éliminé.

Vous pouvez lire tous les détails techniques sur la façon dont ils l’ont fait ici et vous pouvez regarder le concert ci-dessous. Compte tenu du manque d’images du groupe dans sa splendeur, c’est un morceau fabuleux de l’histoire de la musique. Et oui, bien sûr, cela se termine par Le souper est prêt.

Le Genesis Museum en association avec TM Productions et Thomas Manchon, est fier de présenter : The Shepperton 50th Anniversary Remaster…